Filmmaniak

O final digno de uma pentalogia em que James Bond é credível não só como herói de ação que salva o mundo, mas também como um homem melancólico, atormentado e vulnerável que anseia por uma proximidade amorosa e um ambiente estável. Fukunaga está seguro nas cenas de ação e na ênfase na linha de história da relação melodramática, na qual as qualidades de atuação de Daniel Craig estão em plena exibição. Contudo, apesar de um bem-sucedido mergulho psicológico íntimo no interior do herói, esta intimidade subtil não causa uma impressão tão emocional e satisfatória como deveria, devido à ligeira ingenuidade do argumento e à ocasional inutilidade do diálogo. Simplesmente dececionante é o carácter pouco interessante do vilão principal, à cuja personalidade complicada o filme dá pouca atenção em comparação com o protagonista, tornando-o apenas um simples esqueleto não muito interessante e incompreensivelmente agindo nos planos do diabo. Pelo contrário, é ótima a agente interpretada por Ana de Armas, que aparece apenas brevemente, mas mereceria um filme inteiro. Há uma intenção óbvia de filmar o final da saga Bond com tudo o que lhe acompanha, pelo que trademarks familiares são novamente revitalizados, mas quando Bond diz linhas sarcasticamente humorísticas enquanto destrói os seus inimigos, elimina de forma contraditória a tentativa de tornar o seu personagem mais sensível e civilizado. O estilo geral do filme não se afasta particularmente do padrão dos episódios anteriores da série de Craig, no entanto, aos seus criadores não faltou a coragem de inventar um ou dois elementos extra que perturbam significativamente a norma do Bond e elevam a experiência de ver 007 - Sem Tempo para Morrer à categoria de inesquecível, apesar das suas poucas imperfeições.

Um filme erótico sobre freiras, ambientado num convento italiano do século XVII num pano de fundo de uma epidemia de peste. É uma tentativa bastante inconsistente de elevar a base do filme B, inspirada na tradição de filmes de exploração principalmente italiana com freiras (a chamada «nunsploitation»), para um nível de festival de filme A. Paul Verhoeven plantou nela as suas características e obsessões favoritas, incluindo, por exemplo, a ironia forte, o sadismo e a perversão, ou o feminismo, neste caso temperado com uma crítica caricata da Igreja como uma instituição hipócrita controlada por interesses de poder e que se opõe à liberdade sexual. A sua heroína, uma jovem freira com visões muito vivas da revelação de Cristo e passando por um despertar lésbico com uma recém-chegada, é seguida desde a infância numa série de escapadelas sacrílegas cujas verdadeiras origens envoltas em mistério (talvez um verdadeiro milagre de Deus, talvez uma peça teatral com uma agenda de autosserviço) conduzem todo o filme. Durante a maior parte do tempo, o filme está dividido entre uma farsa de humor negro flácido sobre o aproveitamento da credulidade dos fiéis (com peidos, defecação, temas pornográficos obscenos e a figura de Jesus Cristo como protetor, que descapitaliza corajosamente tanto inimigos como bestas), e um drama sério e angustiante com música séria e violência naturalista sobre uma mulher delirante inclinada para a auto-mutilação e os efeitos negativos da fé fanática. O conflito entre estas duas abordagens tonalmente contraditórias parece bastante problemático e insatisfatório, mas Verhoeven pode muito bem não se importar, porque provavelmente só queria divertir-se e também provocar e escandalizar um pouco, o que ele conseguiu fazer. Também por esta razão, Benedetta pertence à categoria de entretenimento de guilty-pleasure no limite, adequado para as exibições da meia-noite do festival, e no qual não são as atuações das amantes as que mais brilham, mas sim Charlotte Rampling no papel secundário (mas essencial e notável) da abadessa cética.

O filme centra-se no inesperado entendimento que ocorre entre um diretor de teatro de meia-idade e uma jovem motorista pessoal que poderia ser a sua filha, e que lhe foi atribuída contra a sua vontade pela companhia de teatro. Através da confiança gradualmente construída, ambos são capazes de confiar no outro os seus traumas e segredos, que fazem parte de uma história complexa e multifacetada que revela, entre outras coisas, relações de parceria e amantes e a dor de perder uma pessoa próxima ou amada. Tudo isto ocorre contra o pano de fundo dos ensaios teatrais do Tio Vânia de Tchécov numa versão multilingue (incluindo a linguagem de sinais sul-coreana), estando o diálogo da peça frequentemente presente noutras partes do filme. Apesar do facto de o enredo só começar realmente dentro de mais de 40 minutos (quando os créditos de abertura finalmente chegam), a duração do filme não é de todo um obstáculo. Além disso, o filme é extraordinariamente bem escrito e realizado do princípio ao fim, e destaca-se não só pela sua ênfase na comunicação formal e educada entre os personagens, mas também pelo número de cenas notavelmente imaginativas e pela integração de várias micro-histórias fascinantes de sonhos.

O filme com um prólogo, doze capítulos e um epílogo da vida de Julia de quase trinta anos, que procura o seu lugar na vida e tenta reconciliar-se consigo mesma, com as suas emoções e com as suas relações. Uma tentativa relativamente bem sucedida de uma declaração geracional, que, ao mesmo tempo, tenta abordar vários outros temas sérios, cativa com a sua direção eletrizante e humor simpático, para além das atuações naturais dos três personagens principais. O diálogo, inteligentemente escrito, por vezes é um pouco exagerado na inteligência, e a narrativa desfaz-se um pouco, não só devido à divisão em capítulos, mas também devido ao fluxo exagerado entre os temas, especialmente no final. Em resultado disso, o filme é mais forte em alguns elementos e partes muito poderosas e expressivas, tais como a que contém o brilho inocente no limite da infidelidade numa festa, a que contém a experiência de um dia com o amor da vida numa cidade temporariamente parada, ou a que contém o estado drogado de cogumelos. A comoção pretendida no final não acontece, e duas horas podem ser demasiadas devido ao ritmo lento do desvanecimento, mas ainda é tempo bem gasto e recompensador.

O filme Memoria meditativo e espiritual é descrito como o filme mais acessível de Apichatpong, mas isso ainda significa que no máximo cerca de um por cento dos espetadores potenciais (dos quais não faço parte) irão apreciá-lo devido ao ritmo extremamente lento da narrativa, à duração de algumas tomadas contemplativas estáticas e narrativamente vazias, e ao simbolismo ambíguo. Pela primeira vez, um cineasta tailandês avançou para fora do seu país e afastou-se da mitologia e cultura asiáticas, mas manteve as suas inconfundíveis marcas e abordagens poéticas. Ele ambientou a história de uma mulher viúva (interpretada deliberadamente subtilmente por Tilda Swinton) tentando desvendar as origens dos golpes que ocasionalmente soam na sua cabeça na Colômbia de língua espanhola e inglesa, juntamente com a busca espiritual de fazer sentido e analisar os ruídos que soam ao acaso, também se concentra em motivos metafóricos contrastantes, referindo-se quer à decomposição e extinção da vida (os ossos de mil anos, a doença desconhecida da irmã da heroína) ou, ao contrário, à sua preservação a longo prazo (o frigorífico de orquídeas). No entanto, geralmente, é difícil ficar atento ao filme, e nem a imersão restaurativa e purificadora nos braços da natureza na segunda metade, nem o estranho ponto de partida final de ficção-científica o conseguem salvar.

Um filme extremamente elegantemente dirigido explorando o amor e os destinos interligados de três parisienses de trinta anos. O experiente cineasta Jacques Audiard prova que ainda tem o dedo no pulso da época e do cinema moderno, e que tem um instinto para escrever diálogos inteligentes, mas plenamente credíveis e para construir personagens convincentes e bem-trabalhados. Ao mesmo tempo, dirige os atores brilhantemente e trabalha com a música de forma extraordinária. A fotografia a preto e branco é também magnífica, oferecendo não só um erotismo muito esteticamente filmado. Alguns dos temas abordados parecem um pouco redundantes, mas o filme ainda funciona excessivamente bem como um conjunto.

Uma estreia extraordinariamente madura e bem concebida, o talentoso Panah Panahi não parece negar ser o filho do se pai. Na sua essência, é um drama sobre a separação de uma família com o seu filho adulto que deixa a sua terra natal, mas apesar da seriedade da situação, o filme cai mais no género de um road-movie de comédia bastante acessível e divertida, em que o humor e a amargura são perfeitamente equilibrados. Desde a primeira cena, o filme está repleto de ideias de realização, situações engraçadas (e aqui e ali tristes) bem pontuadas, e interação verbal engraçada entre os membros da família - para além do filho mais velho introvertido, no carro alugado estão presentes o filho mais novo extrovertido e extremamente enérgico (um dos melhores desempenhos infantis do filme, que já vi), o pai cheio de frases engraçadas com uma perna partida, a mãe preocupada que prometeu não chorar, e um cão doente. Os interiores de automóvel filmados alternam com tomadas à distância e cuidadosamente compostas de vastos exteriores. A fotografia é geralmente maravilhosa. Falhas - o engenho ocasionalmente falha a marca (o constante gozar do filho mais velho não é tão engraçado, embora provavelmente deveria ser), o contexto não tão claro da razão da viagem do filho dilui um pouco a emoção, e o final é desnecessariamente sentimental. De resto, porém, uma enorme surpresa e extrema curiosidade sobre o que este cineasta fará a seguir.

O romance original sobre a aproximação gradual dos opostos apresenta ótimos atores e um cenário poético-realista perfeitamente elaborado dos interiores envelhecidos dos comboios russos (que se assemelham bastante aos comboios checos), bem como um excelente trabalho de câmara e paleta de cores. No entanto, uma vez que o filme chega ao seu destino final, deixa cair fundamentalmente a corrente, e o namoro do par central não impressiona quase tanto como os seus confrontos anteriores. Mas, sobretudo, o enredo romântico está um pouco para além do limite da credibilidade devido à incompatibilidade mútua dos dois personagens construída desde o início - ela é uma estudante universitária lésbica intelectual e ele é um mineiro primitivo, insensível e bêbado (embora com um bom coração).

Uma história macabra de um jovem casal e do seu amigo que se perdem na floresta e têm de passar a noite num velho mosteiro com monges estranhos e um quarto misterioso que é melhor evitar de longe. Infelizmente, o trio principal de personagens é bastante brando, a direção é bastante medíocre mesmo no contexto dos filmes de terror dos anos 30, e o filme baseia-se fortemente em diálogos em vez de construir tensão através da criação de cenas assustadoras. O enredo desenrola-se lentamente e nem os monges silenciosos, nem o interior do antigo mosteiro podem sustentar por si próprios a atmosfera gótica. A única coisa interessante é que toda a componente de horror está presente no filme principalmente para agir como um dispositivo moralizador para desencorajar um dos personagens da sua intenção de quebrar o último dos Dez Mandamentos - «Não cobiçarás a mulher do teu próximo».

Noomi Rapace dá à luz cordeiros com as suas próprias mãos nesta fábula folclórica islandesa, que cativa com a mestria das imagens de animais, mas que de resto se enquadra na categoria de pura bizarrice de festival que existe, supostamente, apenas para perturbar o público e desestabilizar as suas expectativas. O tema do súbito despertar de sentimentos maternos em relação a uma criatura/estar obscura numa quinta no meio de uma planície árida é tratado no limite da fofura e da perversão, a ideia em si é divertida, mas talvez a emoção e a atmosfera de descarrilamento da similar curiosidade escandinava Na fronteira esteja, com o seu tratamento da história, motivos estratificados e mensagem geral, numa liga completamente diferente.