Filmmaniak

Baby Driver - Alta Velocidade é agradavelmente maluco e divertido no estilo de verão, mas a direção e especialmente o argumento não são bem perfeitos, e em comparação com a obra britânica mais antiga de Wright, é um pouco menos atrevido e falta-lhe perspetiva. No entanto, todo o filme é baseado na intenção criativa de o editar inteiramente às canções que tocam constantemente nos auscultadores do personagem principal, e, neste ponto, não se pode não elogiar o realizador por ter conseguido editar ao ritmo da música não só as cenas de ação, tiroteios e perseguições de carro, mas até a forma como um personagem está a caminhar na rua ou a planear um assalto a um banco. Certamente nada desafiante em termos de conteúdo, mas como uma comédia de ação tola, é um pouco mais imaginativa e divertida até do que os últimos episódios de Velozes e Furiosos.

O filme original de 1971 não é um milagre, mas ainda assim é muito melhor feito. É muito mais rico em termos do enredo e da descrição de personagens, e contém muito mais tensão, conflito entre personagens, e uma tensão sexual mais ousada. Mesmo o final teve um ponto de partida melhor trabalhado. Na nova versão, a diretora falhou, sobretudo, em realizar o filme mais do ponto de vista das suas personagens femininas, o que era provavelmente a intenção, e depois em trazer para os dias de hoje a sua atmosfera de um antigo internato de raparigas prudentemente conservador, em que apareceu subitamente uma tentação proibida sob a forma de um homem bonito, o que provavelmente é porque o público confunde o filme com uma comédia negra e reage a ele com risos. A história é superficial e escassa em comparação com a versão original do filme, as motivações dos personagens não são suficientemente claras, e nem o elenco das estrelas não joga na primeira liga.

Não acreditei que fosse possível fazer um documentário de longa-metragem em torno de uma única cena de outro filme, mesmo que fosse uma das cenas mais importantes do cinema mundial. E eis que - pode ser feito, e mesmo de forma muito rápida, divertida e objetiva. Uma excelente análise detalhada, que praticamente sobrecarrega o público com informação, e para os cinéfilos, além disso, cumpre o papel de material rico em conteúdo adequado para estudar a genialidade e sofisticação de Hitchcock, que não se podem deixar de admirar. Se o realizador Philippe quisesse realmente fazer mais documentários deste tipo, eu ficaria muito feliz, quero-os já!

Praticamente uma biografia clássica, cujas partes mais interessantes são sem dúvida as que abordam Heath Ledger como cineasta experimental dotado e realizador de vídeos musicais, uma profissão com a qual as pessoas normalmente não o associam. No entanto, a maior parte do documentário consiste principalmente em fragmentos de vários filmes, tomadas de rodagem, e entrevistas com outros cineastas, amigos e familiares de Heath que se lembram com lágrimas nos olhos de como ele era fantástico. É óbvio quanto talento de atuação o mundo perdeu, mas este filme não traz certamente nada de novo, apenas funciona como uma nostálgica lembrança, preferindo ignorar de imediato os temas menos alegres.

Os filmes japoneses são todos horrivelmente estúpidos, demasiado brutais, loucos e até mesmo os hectolitros de sangue jorram neles diariamente, mas existe uma linha muito fina entre chatice e diversão, mesmo neste género especial. A diversão cresce com a inventividade e capacidade dos cineastas de não levar o filme a sério e ironizá-lo, mas Kodoku: Meatball Machine não só recicla o que tem sido visto frequentemente noutros locais, mas, além disso, a sua primeira metade consiste dum drama de colecionador de dívidas totalmente civil, afogado em problemas financeiros, e do seu romance reservado com uma livreira mais jovem, que não se enquadra bem no tema maluco dos extraterrestres que transformam humanos em mutantes sedentos de sangue (e subsequentemente sumo). Tudo o que resta é um filme maluco em primeiro plano, mas este é estragado pela edição amadora, uma banda sonora mal escolhida, terríveis efeitos digitais e geralmente péssima produção cinematográfica, para não mencionar o facto de a história nem sequer fazer sentido básico. Será que o mesmo homem fez mesmo Tokyo Gore Police?

Do ponto de vista de uma tentativa de um fresco de filme de arte meditativo, cuja história é mais uma parábola sobre a responsabilidade parental, Little Crusader é incomparável com os estandartes checos. No entanto, como filme, tem a oportunidade de impressionar apenas através do seu visual, talvez da câmara e do desempenho de Roden, cujo personagem de um pai à procura do seu filho perde a cabeça no decurso do filme, e isso é tudo. De facto, o seu enredo simples e desesperadamente vazio em pensamento e conteúdo, inspirado no poema épico de Jaroslav Vrchlický, é tão terrivelmente prolongado, e as suas cenas tão excessivamente compridas, que é simplesmente impossível não se aborrecer. Esticar o material para uma meia hora a uma duração três vezes mais longa não é um bom caminho, porque a arte de fazer filmes não reside automaticamente na capacidade dos cineastas de filmar o levantar e baixar de uma ponte basculante de modo que demore três minutos no filme. Com dois terços do filme compostos por tomadas de Roden de cara triste montado a cavalo e o resto realizado por crianças com ramos de palmeira, resta apenas a obrigação do espetador de interpretar o que vê no ecrã e de procurar significados diversos. Os diálogos são, evidentemente, escassos, porque este road-movie de cruzada íntimo era destinado a ser contado principalmente através de imagens, porém não resultou nada de especial.

O Amante Duplo conta sobre as raízes psicológicas das fantasias sexuais de uma jovem mulher psicologicamente complicada, e é também uma sofisticada homenagem a Irmãs de Brian De Palma, Irmãos Inseparáveis de Cronenberg e A Semente do Diabo de Roman Polanski, cheias de referências e duplos significados. Em relação ao motivo de gémeos, Ozon também parece gostar da divisão da imagem, das tomadas com simetria axial, e especialmente dos espelhos que ele coloca em cada terceira tomada, a fim de chamar suficientemente a atenção para o jogo ilusório com o espetador que ele realiza desde o início. Brinca com a fronteira entre a realidade e a fantasia, perfurando o funcionamento interior da mente da protagonista, e sacando com frequência adereços e reviravoltas rápidas, alguns são fáceis de interpretar, alguns requerem muita atenção e pensamento para analisar, e outros provavelmente aparecem apenas para fazer confusão. No entanto, no final, Ozon falha na narrativa do último terço, que parece exagerado e caótico, diminuindo a tensão nas relações entre os personagens, e o ponto de partida final apenas complica ainda mais o nível psicológico. Embora o realizador tenha conseguido elevar o tema original de um thriller B literário com elementos eróticos a um drama psicológico artístico europeu que parece As Cinquenta Sombras de Grey numa versão para espetadores exigentes e pensativos, mesmo para esses espetadores existe uma única tomada que mais se cola nas suas mentes - e essa encontra-se já no início do filme.

Um espetáculo de bizarrice num mundo pagão fictício baseado em mitos estonianos. É lindamente filmado a preto e branco, incrivelmente imaginativo e certamente original, mas todas as ideias maravilhosas (criaturas esquisitas com o visual no estilo de Švankmajer feitas de ferramentas antigas, a protagonista - lobisomem, a condessa sonâmbula, cuspir hóstias, a luta absurda dos aldeões com a peste, poções de amor feitas de excrementos, conversas poéticas com o boneco de neve, a marcha dos mortos e tudo o mais) estão infelizmente presentes apenas sob a forma de estranhezas isoladas que no máximo ajudam a criar uma atmosfera do cenário mágico realista, mas não têm qualquer significado para o enredo. A história sobre uma rapariga apaixonada cujo amante se apaixona por outra rapariga é então apenas um tronco sobre o qual nenhum dos referidos ornamentos de fantasia malucos se mantém propriamente, e tudo se desfaz um pouco. No entanto, se os organizadores do festival Weird Europe estivessem à procura de candidatos adequados para serem incluídos no programa, November é a escolha natural.

É um espetáculo extremamente desafiante de ver, principalmente porque Haneke parece ter decidido desfrutar das lacunas, muitas cenas carecem deliberadamente de contexto que só nos é fornecido dezenas de minutos mais tarde. Tipicamente, por exemplo, vê alguém a enviar um e-mail a alguém, mas não sabe quem e não sabe a quem. Ou vê alguém a ser espancado no bairro residencial, mas não vê de quem e não sabe porque, e depois descobre-se ao longo do filme. Que um personagem tentou suicidar-se, ficou noivo, ou está morto, descobre-se sempre através de alguém, não diretamente, muito depois de o evento ter ocorrido. Há uma ligação ao filme Amor, mas não é realmente importante e nem sequer é preciso ver o filme. Mas de qualquer forma, este puzzle narrativamente complicado, que requer uma atenção extraordinária do espetador, não oferece nada em termos de conteúdo a não ser um vislumbre dos motivos pessoais e tragédias de uma família burguesa rica e nada mais, o que é uma pena.

Este é um trabalho muito preciso na direção e atuação, condenando o ódio racial, desta vez através do motivo do terrorismo de direita. A história é ligeiramente manipuladora e um pouco apressada no final, não satisfazendo assim totalmente, mas tudo até esse ponto é bem pensado e escrito. Um tema forte é capitalizado num enredo de suspense, emocional e maravilhosamente graduado, com Diane Kruger a conseguir apoiá-lo muito bem. Não é que não tenham sido feitos muitos outros filmes sobre este assunto, mas não importa, o que importa é a qualidade.